Andrés Asia (Nonoise 79-Sonido Atmosférico Ediciones) realizó esta nota con el arequipeño José María Málaga (mejor conocido como Fiorella16) para nuestra sección "Juguetes para Grandes". El momento es sin lugar a dudas preciso: a contados días de iniciar su primer tour por Costa Rica y con una serie de lanzamientos en los últimos meses, Fiorella16 tiene mucho para contar y mostrar sobre sus procesos compositivos. En esta nota revela en parte algunos de sus procedimientos los cuales remiten a una búsqueda rudimentaria que comenzó hace casi 16 años en su natal Arequipa, lejos del epicentro musical limeño, y que lo ha llevado a países como Argentina, Chile, México y Guatemala. Si bien su composición esta inmersa en el uso del ruido hay ciertos patrones y secuencias que adquieren un valor narrativo en su sonido, basta con recordar su disco "Laura en su Laberino" (2013) en el que piezas ruidistas se articulaban para formar un cuento, o su disco triple de este año "Tanatología para Señoritas". Fiorella16 comienza este 11 de diciembre su tour por Costa Rica en el cual compartirá escenario con muchos de los proyectos de la escena experimental de ese país; hace poco fue invitado al programa radial de Sergio Wiesengrund Ruido_Blanco, recomiendo escuchar, como complemento a esta nota, esa entrevista para terminar de entrar en el universo de Fiorella16.
Nombre: José María Málaga Proyectos: Fiorella16, La Terminal. Equipo: Motor de juguete/ voz procesada por efectos.
Considero que en mi caso hay una combinación de varios elementos que pueden resaltar en algunas grabaciones más que en otras. Ahora en cuanto a las presentaciones en vivo si
reconozco dos elementos fundamentales que marcan justamente dos épocas distintas
hasta el momento: el motor de juguete para hacer vibrar cuerdas y la voz humana
procesada en directo por efectos.
En el primer
caso, llegue a usar el motor buscando conseguir un mecanismo que al igual que
un E- Bow me permitiera hacer vibrar la cuerda; tuve que probar distintos
materiales para conseguir una sonoridad intensa pero no tosca. Como eran
carísimos, o creo que ni habían E-bows a finales de los 90’s en mi ciudad, a
punta de pruebas logré construir distintas hélices que producían distintos
sonidos, además con estos motores puedes tocar hasta tres cuerdas a la vez,
cosa que no logras con un E-bow, hasta donde yo se. Al uso de la voz
procesada con efectos llegue posteriormente; luego de un concierto en México
donde vi a Rogelio Sosa. Su presentación fue muy intensa aquel día, tanto así
que me dieron muchas ganas de probarlo en vivo y así encontré que aquello podía
ser muy versátil y catártico a la vez.
Sea con la
guitarra o con la voz, lo que busco y encuentro en ambos casos (y espero de
cualquier instrumento) es que me permitan contar con una amplia paleta de
tonalidades, que sus sonidos sean particulares y que transmitan tal cual mi
estado de ánimo en el momento de la grabación o de presentarme en concierto.
Fue con el disco
“Pathetic Field Recordings” del 2016, que pude explotar al máximo el esa
relación “motorcito-guitarra” que venía manteniendo desde inicios del 2000 en
mis proyectos. Luego, fue durante la gira por México y Guatemala del 2017 y la
posterior edición del single “Hebefrenia” 2017, que mantuve como set principal
el uso melódico y a veces desenfrenado de la voz pasada por efectos.
Permito mucho
que me influyan las circunstancias, los otros proyectos que se presenten, la vibra
del concierto, el baño del local, cosas simples pero que van haciéndose una
bola y es esto, unido al set que elija (últimamente estoy usando el set de
voz-efectos) lo que me permite soltar algo que sea el reflejo de mi estado
mental y de ausencia espiritual en ese momento. Me gusta que sea así.
Utilizo
programas muy sencillos para registrar. Algunas veces me quedo pegado en un
tema que inicie tan solo con la intención de guardar un ruido o una melodía. Algo que leí de
Gabriel PereiraSpurr y creo encierra
mucho de lo que entiendo me sucede almomento de grabar o componer con ansiedad, se encuentra en estas líneas
que cito a continuación: “La pregunta que subyace es si realmente lo
tocado es tocado por mí o ello toca a través de mí y creo firmemente en que la
respuesta es....indivisible, no hay forma de separar el hecho creativo del
eventual creador....no hay manera de separar al sujeto del suceso”.
TOUR FIORELLA16 MÈXICO/COSTA RICA 2018
01/12/2018 Laguna Central CDMX, MX.
03/12/2018 Museo de la Ciudad QUERETARO, MX.
05/12/2018 Bar Antigua GUANAJUATO, MX.
06/12/2018 GUADALAJARA, MX.
12/12/2018 SAN JOSE, CR.
13/12/2018 Findependiente SAN JOSE, CR.
14 y 15/12/2018 La jauría SAN JOSE, CR.
15/12/2018 CARTAGO, CR.
16/12/2018 FECOU, UCR SAN JOSE.CR Extremos Sonoros
Cada tanto nos aventuramos a organizar ciclos y eventos, o a ayudar a algunas bandas que quieren venir a tocar a Buenos Aires. La idea tras esos proyectos es aportar minimamente a que ciertas bandas, que están fuera de las redes y modos de las grandes productoras, puedan encontrar espacios para mostrar su música. En esta oportunidad los chilenos de El Purpurado de Charol van a estar durante el mes de noviembre en Buenos Aires y Montevideo presentando su más reciente disco "Un Lujo sin Propósito", y otras canciones de sus trabajos anteriores.
El Purpurado de Charol nace en el verano del 2013 de
forma casi espontánea, ya que todos sus integrantes se
conocían de un proyecto anterior llamado The Karma
Cowboys (2008-2010).
Luego de algunas presentaciones en Santiago y el
lanzamiento del primer EP “No Hay Luz Al Final Del
Tunel” (2013) la banda comienza a ser reseñada en
medios independientes.
A finales del 2014 con la edición del segundo EP
homónimo pasan a ser parte del catálogo del sello
nacional Etcs Recs. Seguido de esto la banda es
seleccionada por el concurso Rubber Tracks de
Converse para la producción de una grabación
auspiciada por la marca. Después de un periodo alejados de los escenarios y
dedicados a la composición, El Purpurado de Charol
retoma las presentaciones en vivo activamente desde
el 2017, año en que lanzan su última publicación “Un
Lujo Sin Propósitos” grabado en estudio Lautaro por
Pablo Giadach (The Ganjas, Casino) y Vicky Cordero
(Circulo Polar), Masterizado por Chris Hanzsek
productor de bandas como Soundgarden, The Melvins,
Green River, entre otras.
Actualmente la banda está formada por: Felipe Moyano (voz, guitarra y sintetizadores), Horacio Ferro (bajo y sintetizadores), Nicolas Moyano (batería) y Juan Pablo Ordenes (guitarra). Todos sus integrantes hacen parte de otros proyectos musicales del under santiaguino. Su mas reciente lanzamiento, el disco "Un lujo sin propósito", articula de manera extensa tanto la propuesta sonora, arreglos potentes y sucios, con una fuerte impronta lírica y estética, bien plasmada en las letras de las canciones y la excelente portada hecha por Fabián Barraza.
El Purpurado de Charol: Tour Argentina/Uruguay 2018
*Esta nota hace parte de una serie de colaboraciones con el sitio brasileño Floga-se, cada semana traducimos una nota acerca de un artista brasileño a modo de fomentar la circulación e intercambio de música e ideas. La nota original, en portugués, pueden leerla dando click aquí
La tecnología es nuestra forma de buscar la perfección: computadoras, procesos, robots, bits y otros, tienden a ser más eficaces, exentos de errores, ágiles, incansables y obedientes sin tener de por medio el factor humano. Pero no hay ecuación imaginable sin el factor humano. Las personas crean, operan e interpretan; las personas distorsionan los datos, las máquinas, los procesos y, además, son las personas las que llevan la tecnología hacia el error. Somos el propio virus de nuestra creación.
En una sociedad donde los robots hicieran todo el trabajo duro -y los seres humanos solo tuvieran que operarlas-, nuestros sueños serían otros: ser más felices, hacer lo que realmente nos importa, cuidar de los nuestros y equilibrar la balanza de la desigualdad. Pero tenemos que dudar de esto, bruscamente (¿alguien pensó en "Blade Runner"?). El hombre no es capaz de operar las máquinas con una perfección idealizada, ya que él mismo es la máquina que crea, él es el proceso que idealiza, él es la invención escrita en el papel. Él ser humano está ahí, reflejado, incluido y deformándose.
El brasileño Cadu Tenorio no concuerda del todo con esa visión, aunque traza un paralelo aún más interesante. En su disco "Corrupted Data 蝶 と ク ジ ラ", lanzado el 15 de agosto del 2018 y sucesor del intrigante "Rimming Compilation" de 2016, la relación entre hombre y tecnología es más intrincada: "Todo en el disco tiende a crear un hilo y ese hilo es como una timeline con contenidos variados que van apareciendo. Podríamos decir que los datos son corrompidos por mí y por las personas que entran en contacto con el contenido, ya que la gente les añade nuevas experiencias. Cuando descargamos un archivo que viene corrompido me imagino que es por falta o defecto, a veces, en algunos detalles del todo. Es como esa idea por la cual la gente suele creer que El desafío de la ballena azul, por ejemplo, tal vez sea un gran hoax o una creepypasta. Hay sitios de noticias yankees que dicen que tal vez sea una manera fácil de enmascarar un problema mayor. Pensando en todo eso y en la idea de narración fragmentada, me vino ese nombre a la cabeza, seguido por ‘borboletas e baleias’ (Chō to kujira – 蝶とクジラ), que vienen en la parte hablada que abre el disco, que a su vez vino de un sitio que informaba sobre los grupos de suicidios en VK (La red social rusa) "
"Quería que el disco funcionara incluso como narrativa", dice Cadu, en charla con Floga-se . "Los textos fragmentados van entrando en el oído, cosidos por el orden pensado para las canciones.
"De primera mano, el escucha intenta ignorar los textos pero van a empezar a quedar claros en algunos puntos, después va a prestar más atención a ellos, tal vez a percibir que hay más de uno hablando al mismo tiempo o a pensar que si se quita uno de los auriculares se va a hacer más fácil entenderlo. Ese proceso le da un valor de replay, y tal vez así se perciba el peso emocional que la canción siguiente va a tener o el que la anterior tuvo".
Cadu saca del lente a “Blade Runner” para poner en vez a “Neuromancer” (obra de William Gibson escrita en 1984). Mientras que la primera muestra una sociedad destruida por la propia incapacidad de comunicarse entre sí, sin saber con certeza quién es un robot y quién no, Gibson muestra la búsqueda y el encuentro con lo digital como algo inevitable. "El tema de la comunicación, de encontrar una vida en lo digital, está más explorado en 'Neuromancer'; este disco es algo así como una caja negra de la vida digital de un yo-lírico (...), de la vida en el ambiente digital y en la no-materialidad ".
El curioso clima creado en “Corrupted Data”, que parece la banda sonora de una película, es gracias a que las canciones funcionan como un cluster y todos los clusters se unen para formar un Hard Disk - los discos duros son cosas palpables, existen como todos nosotros, y no tienen nada de futuristas o imaginarios, a pesar de la dualidad que aún se mantiene en pleno siglo XXI (hasta allá llega nuestro fetiche por el futurismo). Para el oyente la construcción de la obra lo hace estar dentro de ella, siendo bombardeado por miles de historias , asuntos y temas diversos que por su velocidad hacen su comprensión imposible, a menos que esta se dé desde dentro del propio ordenador - más ágil y más eficiente, capaz de seguir ese ritmo imposible para nosotros-.
"Sí, esa es, de forma bien objetiva, la intención de todo. Lo que es genial: la idea del disco duro corrompido, los datos corrompidos fue básicamente esa. Esa dualidad estuvo presente. Sin embargo, el yo-lírico no es consciente de ello, ese yo es una recopilación de memorias digitalizadas, no es consciente de que está contenido en un disco duro que cabe en la palma de la mano. Para él, ese es el mundo, la libertad de decir lo que quiere y lo que no puede comunicar a nadie, de sentir lo que cree que necesita sentir. Tal vez me ponga frente a todo esto con una visión un poco más hundida en ese mismo lodo. Lo que puedo decir después de pasar dos años sin usar un teléfono móvil es que la vida real está tomada en más del 50% por lo digital. No es más un pequeño terreno. La gente puede vivir totalmente ajena a ella. Todo pasa rápido, es verdad. Pero la intensidad no puede ser negada. Creo que adentrarse en el universo de Corrupted Data como un todo es parte del fetiche de adentrarse en los secretos oscuros de alguien. Es la versión actualizada de nuestra curiosidad al acompañar tragedias, al estirar el cuello para mirar los accidentes automovilísticos o a ver los cadáveres por la ventana del bus".
Después del brillante (sin exagerar) "Anganga", trabajo grabado con Juçara Marçal (quien también participa en "Corrupted Data "), Cadu da la cara a la visión cruda que tiene de la sociedad: la falta de verosimilitud del ser humano, todo lo que el hombre puede crear de bueno para el mismo desgraciar lo que podía ser perfecto. La perfección es inalcanzable. En "Rimming Compilation", era el sexo. Aquí, son las vidas, o los pedazos de nuestras existencias.
"En cierto modo este disco es una continuidad del 'Rimming Compilation' , una extensión. Creo que mi trabajo gira alrededor de la reflexión sobre los excesos, pero intento no darle ese juicio de valor. En el sentido de que no sé si esto alguna vez fue pensado como algo bueno si ya era visto como una forma de dominación mucho más eficaz de lo que creemos. Las personas sólo se comieron la idea de libertad que les fue vendida (con Internet y las redes sociales). En ese sentido,l as propagandas y las fake news, no tienen nada de nuevo".
"El disco duro es el disco duro y nosotros somos nosotros, en algún punto nos quedamos en el disco duro, cuando morimos nos quedamos dentro de el, ¿Se acuerdan de los Orkuts de gente muerta? El Facebook Memorial funciona igual. En este proceso de representación, nada nos representa mejor que una pantalla y en esa pantalla es que la gente construye el personaje que quisiera ser y como nos gustaría que los demás nos vieran. Todo puede ser borrado, likeado y deslikeado. No se puede negar que para muchas de las personas somos esa pantalla - o el 'Disco Duro' para continuar en el término que estamos usando-. Somos las fotos de nuestros viajes, las sonrisas en familia ... Eso es lo que cuenta"
Y va más allá "desde que el mundo es el mundo, la ficción escrita funciona como uno de los pilares de la sociedad como la conocemos, rige la vida de las personas, cambia la forma de pensar, influencia sus hábitos, hace que la rueda se mueva. Positivamente o negativamente. (...) Si la ballena azul es real, ¿la culpa de las eventuales muertes es de la ballena azul? ¿Es de la persona que escribió esa historia? o ¿de quien sugirió la existencia de un juego así? ¿Qué problemas estamos ignorando? ¿Qué estamos dejando de ver para seguir frente a la pantalla? Creo que el meollo es mucho más profundo, pero no quiero hacerle campaña al disco hablando sobre salud mental "
Cadu está de acuerdo en que "Corrupted Data" es su trabajo más melancólico. Hay mayor presencia de climas. Los silencios y ruidos, son raros. Las palabras están dirigidas a historias que el oyente deberá descubrir y redescubrir por cuenta propia en el sitio web. "Tiene un arco dramático que va acompañado por los textos. Las canciones primero son cortas y van haciéndose largas e introspectivas, mientras que las partes textuales también se hacen cada vez más largas y, en cierta manera, expositivas. Como una espiral en descenso hacia el fondo. Los textos representan el depósito digital, el Disco Duro tratando de expresarse… intenta expresarse a partir de la música también. Cada tanto un poco de humanidad (en forma de voces) va a tratar de salir de ese fondo y hablar contigo. También tiene un trasfondo de esperanza, porque yo anhelo los finales felices”. "Los textos son una especie de collage, continua Cadu, de reportajes sobre ciertas obsesiones del yo-lírico, incluso textos personales, de esos que se guardan en drafts de e-mail. Incluso hasta poemas. La idea, como dije, es tener restaurada parte del Disco Duro de una sola persona expuesta, como una timeline".
Con el disco-web, Tenorio espera provocar un poco más a la gente. Las personas necesitan desafiarse un poco más, así sea usando Google para descubrir que esconde cada cada título misterioso en japones. Todas las referencias del artista están ahí, cada título entrega un pedacito. Es necesario salir del punto estático de esperar para recibir información e ir hacia atrás. La música de hoy es demasiado trivial, la gente quiere todo masticado, esperan incluso (y esto pasa desde hace más de treinta años, cuando las radios indicaban los caminos y construían las calles) que les digan lo que puede ser un éxito o lo que puede valer la pena. Ya sea en la música mainstream o en el más periférico de los funks prohibidos, el comportamiento de manada impide salirse esa lógica de inercia.
En "Corrupted Data", Cadu Tenorio muestra que la provocación es posible mucho más allá del discurso. Del discurso de la política del odio o del discurso del amor fácil o frustrante; esa provocación se logra en la forma. De esa manera, Cadu deja una impresión vivísima en la línea del tiempo de la música retorcida del underground brasileño.
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Desde que Juan José Calarco y Guillermo Cerredo empezaron a hacer música como Panchasila han ido dando forma a una visión propia del sonido de la cumbia y los ritmos folclóricos que es novedosa y, en cierta medida, desafiante. Hoy en día mezclar lo electrónico y lo folclórico no deja de ser un ejercicio que suele caer, casi siempre, en el terreno de lo festivo o de lo puramente rítmico. Ese "estilo" es el que, de hecho, ha cosechado gran éxito en Europa alrededor de fiestas y festivales; pero, ¿Es lo folclórico solo lo festivo? Esa pregunta ya parecía estar presente en el primer EP de Panchasila, titulado Pallqa, el cual en apenas cuatro temas exploraba los senderos menos convencionales del ritmo. Ya desde ese primer momento su sonido se inscribe en una búsqueda mas universal: en un mismo tema este dúo argentino es capaz de unir los compases de la cumbia y el dub con la ambientación del sci-fi.
Cuatro años después de "Qallpa", reaparecen con su primer disco largo en el cual la semilla se convierte en fruto. Ya no encontramos indicios sino una obra concisa donde se entrelazan ritmos y culturas a través de lo electrónico. Desde mi perspectiva de escucha, resulta clave que no se centren en explor(t)ar el ya desgastado terreno del beat y el ritmo. En vez de eso las canciones crean ambientes tanto festivos como tensos que transcurren, en muchos casos, en el mismo tema.
Otra variable que está en tensión es la idea de lo "latinoamericano". No cabe duda que buena parte de los proyectos electrónicos que se han hecho importantes lo últimos años presentan en sus propuestas una suerte de "rescate" o "regreso" a las raíces del folclore latino desde lo electrónico. No es mi idea entrar a poner en duda u objetivar esa tendencia (tampoco es el lugar), pero no deja de ser curioso que esa tendencia, al rescatar, también rechace una red cultural más grande.
En este trabajo Panchasila logra construir relaciones mas allá de lo nacional y lo latino: un mismo tema pone en juego grabaciones de cine bollywodense con percusiones tomadas del gamelán y grabaciones de campo; otro buen ejemplo es el tema "Runapayka" que cuenta con la participación de Carolina Rovira cantando en quechua acompañada por una orquestas de samples. Bajo ese sistema Juan José y Guillermo han creado una técnica que no se limita a las fronteras, ritmos o géneros. Estas son canciones donde lo transnacional y lo transcultural se dan encuentro, y en las que la cultura, o la representación de esta al menos, se convierte en un objeto; un objeto maleable desde el sonido que permite múltiples articulaciones y representaciones. No es solo música para bailar, estas son composiciones pueden adaptarse tanto a una pista de baile como a una banda sonora; al mismo tiempo, no es un "producto de exportación" o de exotización de lo latino sino un puente entre culturas.
El sello Discrepant, con sede en Lisboa, ha lanzado este disco en formato casete; sin embargo, lo que resulta mas interesante es que junto a este fueron lanzados, en simultanea, tres trabajos mas de proyectos latinoamericanos: "Radio Siquica" de Los Siquicos Litoraleños, el impresionante split, titulado "Adzer", entre Bardo Todol / M. M. Peres / Úgjü Sectas y un mixtape de Tomas Tello hecho hace un tiempo para New Weird Sudamerica. Juntos estos lanzamientos configuran una selección indispensable para pensar ese sonido más amorfo y experimental de los ritmos folclóricos.
Tras un par de años de silencio, Cesar Salvidar regresa con un nuevo single bajo su proyecto personal Telephone Exchange. Si bien "Machine Learning" parece retomar lo hecho en su primera grabación, la canción "Proton Salad" la cual hizo parte de nuestro compilado "Frecuencias en Expansión, también es claro que durante el último tiempo Cesar ha estado explorando nuevas posibilidades y técnicas de grabación. Los 11 "intrincados" minutos de duración del tema dejan claro esto, pero ya que este es apenas el primer adelanto de un disco debut largo, a salir en enero del año que viene, aprovechamos la oportunidad para invitar a Cesar a nuestra sección "Juguetes para Grandes". Además de comentar sobre los diferentes detalles y equipos tras esta nueva grabación, Cesar aprovecho para rememorar su historia, aprendizaje e ideas en cuanto a instrumentos y procesos de grabación.
Nombre: Cesar
Saldívar de Lira; a.k.a. Aguarrás Saldivar
Bandas:Telephone Exchange, Gusman;
former Bleak Boys, Surfucks, Biztec, Gusman
Equipo: Pues…
Empecemos!
Conforme vas creciendo como artista, vas conociendo más
sobre equipo; pero específicamente, sobre técnicas para aprovecharlo al máximo; por ejemplo: hace menos de un par de años que no sabía qué era una
técnica Mid / Side de microfonía, o qué es compresión paralela, y que podía
hacerlo con los micrófonos que tengo. El arte
contemporáneo se ha visto manchado por esa premisa posmoderna tipo “Duchamp” en
la que coincidentemente, puedes declarar que cualquier mamada es arte. No estoy
diciendo que el arte tenga una constante matemática. Lo que si , es que incluye
ciertos (no estrictos) guidelines, y son las ingenierías, las técnicas, los
métodos (dentro de ciertos marcos de trabajo definidos) por medio de los cuales
captamos un cierto sentimiento, una cierta intención.
Mi equipo: creo que es importante hablar en primer lugar
sobre mis guitarras, pues es mi instrumento principal. Durante los casi 18 años
(si no es que mas) que llevo en este viaje de la música, he acumulado varias
guitarras. La historia empieza en Michoacan, MX. Fuimos de viaje y yo de la
nada dije: “Quiero aprender guitarra”. Mi papá compró una hermosa guitarra de
Quiroga (que aún tengo); y a un par de horas ya estaba improvisando ciertos
riffs de los Beatles que conocía de oido. Eventualmente, me compraron mi primer
eléctrica. Un paquete de guitarra con un amplo Marshall MG15. La verdad sonaba
bien. Mas adelante me hice de una strat MIM (En esa época, las MIM estaban
saliendo creo mejor que algunas americanas). Esta guitara la armé y desarmé mil
veces, incluso un tiempo la tuve con una configuración diferente de pastillas
hasta hace un par de años, cuando la regresé a su estado original. Después me
hice de una Telecaster americana 2006 con acabado sunburst, que un día a mis 16
años decidí quitarle la pintura para tener un sonido mucho mas seco. Esta
guitarra fue mi arma principal durante años, específicamente durante la
universidad cuando tocaba con Surfucks. Por ahí del 2007 decidí hacerle un par
de modificaciones, cambié los potenciómetros por unos de mayor impedancia, lo
que me daba mayor output, y brillo (algo que molestaba demasiado a los
ingenieros de sonido de mi ciudad natal, Aguascalientes). También un tiempo la
tuve configurada como una Fender Esquire, con una sola pastilla y sus
respectivas posiciones de switch. En esa época tuve también una Gibson SG.
Tener una Gibson siempre fue un sueño para mi. Cuando lo logré, el resultado
fue… “awkward”… Por lo que terminé usando esa guitarra solo para estudio y la
vendi en 2013. Por ahí del 2008, comencé una búsqueda intensa de bandas
estrictamente psicodélicas. Todo ese sonido del ’67, del Swinging London tuvo
gran efecto en mí, y el resultado fue Gusman:
Más adelante, comencé a escuchar bandas mas recientes, la
escena indie, desde los 80’s hasta bandas contemporáneas. Es ahí cuando decidí
que necesitaba otro tipo de sonidos, por lo que me hice de una Fender Jaguar, varias
guitarras acústicas (incluyendo una Fender de 12 cuerdas), y mas recientemente
(Ya en CDMX), una Danelectro ’59 (de nuevo, Syd Barrett) y un bajo Kent 60’s de
escala super corta (mas bien es una guitarra barítono creo yo). Este bajo Kent
fue fundamental en la grabación de mi mas reciente música, de la cual ya lancé
un sencillo el 2 de Agosto de este año y cuyo álbum “Maschinelles Lernen” estará disponible en vinyl y en digital el 5
de enero del 2019. Tocar un bajo de escala corta creo yo que es algo mágico,
siempre me he sentido mas confiado en tocar el bajo que la guitarra. Muchos de
los riffs o estructuras fundamentales de mi música han surgido desde el bajo.
Estos instrumentos de cuerda no serían nada sin los pedales
de efectos ni los sistemas de amplificación. Tengo una colección de mas o menos
30 pedales, que uso en diferente orden según la canción lo demande (En estudio).
En vivo solía conectar todo el sistema a un AC 15HW que tengo en Aguascalientes . Recientemente me hice de un Fender Vibrolux Reverb Custom (El
reissue tipo 68) que está de muerte. Otra arma secreta que muchos no
conocen es que tengo un pequeño amplificador Silvertone de 5 watts de los 50’s
que le compre a un electronics junkie de la ciudad a quien admiro mucho (Rusted
Vacuum). Con ese amplificador he grabado muchísimas pistas; incluso con Bleak
Boys, en algunas ocasiones solía llevarlo a los conciertos como reemplazo
cuando volaba los fusibles de mi AC 15.
"Hay muchas cosas raras que hemos hecho. Para Gusman, grabamos una guitarra eléctrica a través de un ventilador, grabamos un cepillo tallando un piso de cantera con jabón, hemos grabado en cuartos enormes o en escaleras helicoidales, hemos usado técnicas experimentales (mas bien improvisadas) de microfonía que eventualmente funcionan dadas las circunstancias acústicas en las que uno se encuentra. La verdad es que lo que más se disfruta es el trabajo de estudio"
Regresando al tema de los pedales… Creo que hablar al
respecto es algo extensivo, pero trataré de ser breve. He experimentado con
cientos de cajas, analógicas y digitales; pero haré mención de las que han
tenido mayor impacto en mi carrera. Comenzaremos por la Boss ME 50. Es una
pedalera digital; sin embargo, la calidad de los efectos (A excepción de las
distorsiones) es increíble; además le tengo gran cariño porque crecí con ella
siendo un adolescente. La usé muchísimo en la grabación de Gusman, tanto con
las guitarras, como para procesar pistas grabadas. Es una máquina formidable, y
super práctica.
Otro pedal que debo de mencionar, aunque desafortunadamente
me caga por el “cliché” que le rodea, es una distorsión Rat; pero el que tengo
no es cualquier pedal. Este artefacto lo compré como un substituto versátil
para el Fuzz Face de silicón (el cuál amo y fue mi principal arma durante los
Bleak Boys; El azul de Dunlop). La verdad siempre he encontrado el Rat un pedal
extremadamente aburrido. Muchos lo aman, pero la verdad no es mi cosa. Tal era
mi enojo, que decidí sacrificar la chingadera, y hacer un circuit bending, una
de esas tardes de ocio (y ebriedad) en Aguascalientes. El resultado fue mágico.
Logré generar dos osciladores a diferentes frecuencias y seleccionables por
medio de un switch. Este pedal lo he usado interminablemente en vivo, y
obviamente en estudio (se puede escuchar en las ultimas grabaciones de Bleak
Boys y en las pistas de sintetizador de mi nuevo álbum de Telephone Exchange).
Ya hablando de manera general, pues tengo varios efectos.
Mis favoritos, históricamente, el Fuzz Face de silicón, Diamond Vibrato
(siempre lo tenía prendido cuando tocaba con los Bleak Boys), y el Small Stone.
Actualmente mis nuevos favoritos son el JHS Kilt (Es como un remake del
expandora, la lata de atún), Boss CE – 2 , JHS Crayon, Boss DD7 y el EHX Freeze . Todos los efectos de pitch los he estado haciendo en
estudio por medio de cintas últimamente.
Hablemos sobre los procesos de grabación. La historia
comienza en la universidad. Me hice de un par de micrófonos condensadores
baratos MXL. Comencé a grabar demos de bandas locales en Aguascalientes MX, la
verdad sonaban espantoso. Todo cambió hasta que me hice de una mezcladora
Peavey MD 8 ochentera. En su momento no la valoré quizás, pero tiene unos
preamps increíbles, que hasta la fecha sigo utilizando. Esas mixers de formato
pequeño a veces son poco apreciadas, pero las hay unas de gran valor. Hace
poquito (Un par de semanas) me hice de una Yamaha PM 430, de 8 canales.
Realmente esta mezcladora es una copia de preamps API (El circuito, al menos en
arquitectura, es casi idéntico). Son aparatos de guerra. Los he usado para
trackear con micrófonos buenos, y suenan super bien.
Anteriormente, solo utilizaría mi peavey MD 8 como
preamplificación para varios micrófonos que tengo, pero para Maschinelles
Lernen, usé un par de Golden Age Project Pre 73 MKII’s también (Buenisimos; no
son unos Neve, pero en serio, no se los pueden perder). Me hice de un par estereo de Pultecs de Warm Audio. En su mayoría ni utilicé la ecualización en
sí, solo los usé en modo bypass para pasar la señal por los bulbos y darle un
carácter totalmente diferente a cada pista. Las técnicas de grabación que usé
para este álbum fueron muy sencillas; pero lo que mas vale la pena destacar,
fue la grabación de las baterías. Grabar en cinta (Yamaha MT4X, en cassette) es
otro pedo. La batería tiene una cohesión tan natural y tan orgánica en la cinta
magnética, que no tuve la necesidad de utilizar micrófonos ambientales. Fue un
sonido extremadamente seco, que grabé en mi antiguo estudio de Aguascalientes.
El nuevo single de Telephone Exchange, Machine Learning, está disponible en Bandcamp. Este tema funciona como adelanto para su primer disco largo que saldrá a principios del 2019.
Esta reseña hace parte de una serie de colaboraciones con el sitio brasileño Floga-se, cada semana traducimos una nota acerca de un artista brasileño a modo de fomentar la circulación e intercambio de música e ideas. La nota original, en portugués, pueden leerla dando click aquí
Hubo una época en la que hacer música protesta era algo serio. Las nubes negras giraban sobre las cabezas de los brasileños con ganas de patear su dignidad y con las macanas listas para aplastar su libertad. Con el apaciguamiento político y social - al menos hasta hace un tiempo, ya que estamos en un momento indigesto desde 2013- la música pasó a vivir un distanciamiento político poco noble. Sin embargo, como se ha visto, las cosas han ido cambiando. No hay paz que dure para siempre. No hay tranquilidad que prevalezca sobre las inestabilidades de una sociedad siempre inquieta (lo que es una ventaja) y con memoria corta (ya sea intencional o por falta de estudio, lo que es una vergüenza).
El dúo peranaense “As Lagrimas” (compuesto por Fernando Theodor en voces y Gustavo Pain en guitarra, bajo y arreglos electrónicos) es, como todos nosotros, cerebro y piel, nervios y lágrimas de nuestros tiempos. Aunque seamos jóvenes o viejos estamos siendo constantemente impactados por todo lo malo y bueno que acontece hoy en día, incluso sabiendo que todo es una consecuencia (que puede llegar a volverse una causa dentro de un ciclo interminable)
Su música de “protesta” en el disco “Estamos Todos Nervosos” está cargada de ironía, humor, y por supuesto, crítica. El intento de no tomar en serio las letras (autoría de Fernando Theodoro) que parecen simples juegos de palabras y situaciones cotidianas (actuales) se desvanece ante el peso de su sonoridad. El post-punk sucio y ruidoso de esta dupla está cargado de una seriedad que empuja al oyente a cuestionarse de que lado debería estar. Si les sacamos a las canciones los arreglos de guitarra y batería (hechos por Michael Wiselque) nos encontramos con letras que son tanto crueles como divertidas- tanto como puede ser cruel y divertida la verdad.
“Códigos” presenta una lectura obvia de las interacciones sociales de nuestra época que llega a ser graciosa: “A gente se ama por códigos / A gente treta por códigos / A gente se odeia por códigos / A gente se come por códigos / A gente conversa em códigos / A gente se entende por códigos / A gente se veste de códigos / A gente é lido em códigos” La gente siempre lo hizo todo por códigos (la lengua hablada no es otra cosa que un código) pero, es así hoy más que nunca, ¿cierto?
“Nojo”, con su bajo pesado y su guitarra crispada, suena a una versión mas osada de los “Titãs” en su clásico disco “Cabeça Dinossauro”: “Eu tenho nojo / Eu tenho nojo de tudo / Eu tenho nojo / Eu tenho tesão em tudo / Deve ser que somos sujos / Ou que transamos no lixo (…) / O trabalhador braçal tem sua força explorada pelo capital”. Me divierte tanto como cuando en “O que” la poesía minimalisa de Arnaldo Antunes cierra ese clásico de los Titãs . “No mundo ocidental / Todo mundo se agride”, es la parte de “Mundo Ocidental” que deja bien en claro en que momento entramos en la panacea capitalista donde todos se preocupan por el prójimo, pero si pueden le arrancan hasta el ultimo centavo.
Resulta curioso como esa visión estrictamente negativa del mundo aparece con un abordaje bastante leve y divertido (en lo poético) y desmenuzado ( en lo sonoro). No es sólo música pop, después de todo, sino la construcción de una visión de un todo con elementos que nos construyen -o, en este caso, que construyen al artista. Ese equilibrio se rompe en la recta final del álbum. “Cuida Da Minha Alma”, es sombría, , “Anjo Do Amor” y “Perdendo A Sua Atenção” ganan cierta seriedad que no existe en las canciones anteriores. Musicalmente son mas experimentales y sombrías como si vinieran en la resaca después de la gran fiesta.
En “O Futuro Acabou” cantan : “De 30 em 30 anos / A gente canta a mesma coisa / O futuro acabou” y no hay frase mas racional en todo el disco y en toda música joven dada hacia lo revolucionaria que se encuentre inconsecuente. Destruyamos el pasado y hagamos un futuro nuevo. ¡Toda una utopía! Nadie quiere nada de eso. Todo el mundo quiere divertirse, algunos haciendo ruido porque ven el mundo torcido; otros bailando porque así se mueven; otros pintando flores, corazoncitos y sexo porque creen que la vida es eso. Pero todos quieren divertirse. As Lágrimas muestra una esquina de cada visión. (“Os Vasos” es todo un deleite de ironía mientras que “ Cuida Da Minha Alma” es puro noise) y logran divertirse como los demás, porque hoy en día divertirse, ante un futuro incierto, es la única protesta posible.
Julián Mayorga merece sin lugar a dudas el, a veces malgastado, adjetivo de camaleónico. Si miramos hacia atrás en su carrera parecía imposible que el sensible y poético cantante que levantaba constantes comparaciones con Spinetta dejará ver esa facilidad para la parodia que hoy, en cierta manera, encarna. Pero todo estaba ahí desde el primer momento. Para seguir jugando a los adjetivos y las metáforas otro termino que define bien su música es la metamorfosis. Esa es una figura que, de hecho, aparece de manera constante en sus canciones: Criptobiosis (2012) tomaba un concepto de la biología para crear canciones que se desenvolvían como fabulas, Atlas (2014) llevó esa idea de suspensión y transformación a un terreno mas amplio, y con Nixon en la Playa (2016), Mayorga parecía salir de algún capullo convertido en una maquina de ritmos y rimas. Si bien su corriente creativa se ha apaciguado, Mayorga no ha estado quieto estos años. Tras instalarse en España hace un tiempo ha recorrido encuentros, festivales y academias donde ha podido experimentar y re-construir su sonido.
"Julián Mayorga y su clásico sonidito an(o)dino", su mas reciente EP, es parte de ese proceso que comenzó con Nixon en la Playa. De cualquier modo, en estas tres canciones el sonido parece mas pulido logrando un cuidado equilibrio entre disparate y armonía. Resulta curioso, o tal vez no tanto, que después de haber dejado su país la música de Mayorga se haya hecho cada vez mas colombiana. Esto tal vez sea pura coincidencia, pero la tarea de los que escuchamos es, muchas veces, buscar ejes y coincidencias. Al hablar de "colombiano" me refiero a un amplio ramillete de sonidos que tienen poca resonancia internacional y que hacen parte del sentir musical de ese país. Hay un encuentro con la electrónica y la vanguardia, algo que proyectos como Los Animales Blancos o Los Pirañas han explorado con éxito antes. Sin embargo, Julián le imprime su personalidad y rescata, ya desde el titulo, toda una tradición juglar.
Con "su clásico sonidito" Mayorga nos remite a toda una tradición alrededor de las grandes orquestas y los cantantes de época. Es así que se asume como un frontman tanto en lo moderno como en lo clásico de la palabra. Sin embargo, y hay que decirlo, su orquesta es él mismo. Si bien este EP destaca por las participaciones de los músicos Niels Broos y Riota Miyake su arsenal es, principalmente, electrónico. Con esas herramientas construye su propia orquesta. Una orquesta que emula, como bien pone en juego la segunda parte del nombre, un sonido andino desde una perspectiva casi infantil. Cuando aparece "Sayonara", el único tema cantado, Mayorga nos muestra esa intención siempre fabulista que se ha hecho parte de su sello personal.
A pesar de ser bastante corto este EP parece una (a)puesta para el futuro. En sus tres canciones ya están presentes todos los elementos, experimentales y folclóricos, que Julián Mayorga viene explorando en los últimos años. No parece, aún, un proyecto definitivo sino algo tomando forma hacia una nueva transformación; así como sus primeros trabajos pronosticaban la majestuosidad que sería "Atlas". Mayorga, un poco en broma un poco en serio, suele etiquetar su música como Latinofuturismo y, aunque las etiquetas son siempre engorrosas, no se me ocurre un término mejor. Su música es capaz de dirigirnos en dos direcciones: tanto al pasado de un folclor casi olvidado, como hacia la posibilidad, aun futura, de que ese folclor sea revivido por las máquinas.
ESTE EP HA SIDO LANZADO POR EL SELLO COLOMBIANO IN-CORRRECTO EN FORMATO DISQUETE. JULIÁN MAYORGA ESTARÁ DANDO ALGUNAS PRESENTACIONES EN FRANCIA DURANTE OCTUBRE.
